Space Battleship Yamato – Can it triumph over corniness?

“Space Battleship Yamato” / 2010. Japan / Yamazaki Takashi / 131 Minutes / Drama


In the year 2199, the Earth’s surface is a radioactive wasteland, deserted from continuous meteorite bombardment by the alien Gamilas race. The last few human survivors have descended underground while others lead desperate battles against the space invaders. One day, disillusioned ace fighter pilot and ex-member of the Earth Defence Force Kodai Susumu (Kimura Takuya) witnesses a space capsule falling from the sky carrying the blueprint for a faster-than-light engine. Captain Okita (famous for his apathy cold-bloodedness in combat and his fake beard) uses this to refurbish the wreck of World War II battleship Yamato into a laser canon-equipped space battleship that soon embarks to the distant planet Iscandar, not for kebab but for getting mankind rescued by the capsule’s mysterious sender… After seriously kicking some Gamilon asses with the Yamato’s new wave motion gun Kodai and his ethnically-cleansed Japanese crew under Captain Okita depart at warp speed for the corniest space adventure of all time.

I always had a love-hate relationship with the original Space Battleship Yamato movies.
The space saga started out as a popular anime series in 1974. Comic artist Matsumoto Leiji was behind the design and the old school battleships and Nazi uniforms of the Gamilas army made the series like WWII with laser guns. The success called for several movie adaptions, each in which the brave Yamato crew gave sacrifices to avert another alien apocalypse. In that way the saga nourished the nostalgia revolving around the actual battle cruiser Yamato, that was sunk by the US Airforce in one of the last big battles of World War II, despite being the mightiest warship ever constructed. Japan may had lost the war, but resurrected as space cruiser with superweapon the science-fiction Yamato transcended the dream of a reinvigorated Japanese military into a cosmic realm, saving whole galaxies from doom. It is interesting to note the parallels of World War II aesthetics in space between the YAMATO saga and STAR WARS which were released at roughly the same time.
Besides feeding a latent nationalism (the theme song became so popular that even the Japanese Navy adapted it), many of the anime movies of the 70’s and 80’s were a trial of patience, with their phlegmatic narration and humorless war settings. With almost three hours, FINAL YAMATO (1983) remains the longest animation movie ever made. On the other hand, the Yamato videos that I had at home were the only food of a teenager hungry for space battles. I knew the Yamato long before I knew the Millennium Falcon, and that’s probably true for most Japanese kids. The films were so exchangable in their apocalyptic scenarios and so long that I could never tell the video tapes apart. Thankfully, Yamazaki Takashi’s SPACE BATTLESHIP YAMATO – the first real-live version – is a much more watchable film, scrapping the lengthy immersions into militaristic cult for a cookie-cutter approach storyline so predictable you don’t have to be a Yamato-fan.

If you are a Japanese under 50, you’re most probably familiar with the Iscandar adventure anyway and need not expect much surprises from this version. In fact, after 40 years of the Yamato franchize, spawning video games, toys and comics there is little new in this movie that could conceal the clear intention of making this battleship merely another box-office vehicle for the production company TBS (Tokyo Broadcast System). Despite its qualities as decent action flick it seems that SBS YAMATO is one of these heartless exploitation movies that are calculated out by a necktied production committee. Just take the next best anime, cast some pop idols, mash insane CG effects together and hire the Aerosmith singer to ensure high revenue, while exercising as little creative imagination as possible.
It’s therefore no wonder that the film shamelessly steals elements from J.J. Abrams’ 2009 STAR TREK (the light effects, the villain spaceships, the free fall to the planet surface, the opening fight) and the re-imagined BATTLE STAR GALACTICA series (virtually every battle scene is a copy-paste from there, even the “Adama Maneuver” on Iscandar’s surface). Since the movie draws so heavily from these, it must be measured by their standards. Plus, all of these three are updates of popular 70’s TV shows. But while the new versions of STAR TREK and BS GALACTICA succeeded in propelling their cult sagas to new levels of excellence, SBS YAMATO remains little more than just another translation from animation to a mainstream action movie, although it gets credit for not sucking completely at it.

The movie actually attempts to keep CGI-laden space fights in balance with human drama. Like in the orginal series, the comradeship of the crew members builds a major part of the story. Uber-sex symbol Kimura Takuya gives Kodai some nice twists as bold but honest leader, and his anger towards Captain Okita (he blames him for abandoning his brother in battle) makes him the only character with a convincing emotional ground. The rest of the ensemble is all cliché and the usual cheeziness. They tried to reinvent Kodai’s love interest Yuki as top pilot and Japanese Starbuck, but forgot to copy all the other antagonies and weaknesses which made the character play in BS GALACTICA so tense. And despite the fate of the Earth at stake, SBS YAMATO also lacks the mood of lurking panic that keeps the audience of BS GALACTICA thrilled throughout.
I also noticed the limited number of sets… whereas in STAR TREK you get a sense of the U.S.S. Enterprise’s roominess, you feel that the Yamato has not much behind its hull. This movie had a pretty high budget for a Japanese film (22 billion yen), so one wonders if all the money has been eaten up by the dozens of CGI-workshops that appear in the credits, or if Kim Tak’s guarantee was so high. I do not want to judge SBS YAMATO too harshly, as it is easy to consume and effects-wise a pretty spectacular work (that wave motion gun rocks!). After an hour I got used to it and was well entertained. But you also have to consider that great CGI work had been done before in the most recent Yamato games and the (unsuccessful) animation movie SPACE BATTLESHIP YAMATO: RESURRECTION (2009) and they recreate the epic scale of the series better than this movie…

Fans of the series will be pleased by the retro style of the production design, from the 70’s  uniforms to the outdated interiors. There is also a plenty of citations from the original movies and tv series. Of course, we have the wonderful music and a destructive grand finale. The live-action film sticks firmly to its anime original(s), and only deviates where it makes sense. The biggest (and only) surprise were the Gamilons. In the original these were just blue humanoids in fascist costumes, here they are more “alien” to a point where some appear as floating energy crystals – pretty cool if you ask me. That doesn’t mean that Kodai’s arch rival Deslar and the Iscandarian Queen Starsha (Matsumoto Leiji had a faible for godlike female characters) do not have clever cameos. I somehow have the impression that this could have been a fabulous movie, if it had bursted the bonds of its own legacy.

It seems my love-hate relationship with the space battleship will continue.

The official English website

“Nanking! Nanking!” – Das Massaker von Nanking im Film II

“Nanking! Nanking!” alt. “City of Life and Death” / 2009. China / Lu Chuan / 133 Minuten / Spielfilm


Winter 1937: Die Armee des Großjapanischen Kaiserreichs erstürmt die chinesische Hauptstadt Nanking. Nachdem die Japaner Tausende von Soldaten massakriert haben, fallen sie über die Frauen der Stadt her. Inmitten der Willkür der Besatzer ringen die Bewohner ums Überleben, unter ihnen der Chef der Sicherheitszone John Rabe, sein Sekretär Tang und die Lehrerin Miss Jiang. Der junge Soldat Kadokawa überlebt knapp einen Straßenkampf mit versprengten Widerständlern. In der völlig verwüsteten Stadt zehrt der brutale Alltag an den Nerven aller Beteiligten. Als die Japaner mit einem großen Shintô-Tanz die Einnahme der Stadt feiern sind ihre Schicksale besiegelt.

Kriegsfilme aus einheimischer Produktion sind in China seit langem populär. Auch das Massaker von Nanking vor 73 Jahren wurde schon einige Male verfilmt und bietet Stoff für antijapanische Resentiments einerseits und nationalistische Wohlgefühle andererseits. Inwiefern diese Filme das Geschehen authentisch darstellen entzieht sich meinem Wissen zwar, dass mit NANKING! NANKING! dem 40jährigen Regisseur Lu Chuan ein außergewöhnliches Werk gelungen ist, beweist nicht nur der hohe künstlerische Anspruch dieses unpathetischen Zeitportraits, sondern auch die Anzahl an Morddrohungen, mit denen ihn wütende Landsleute seit der Veröffentlichung attackiert haben. Ohne die japanischen Invasoren als irre Bestien darzustellen oder sich in Szenen ausladender Brutalität zu verlieren lenkt er mit präzisem Blick die Aufmerksamkeit darauf, wie Menschen aller Seiten sich angesichts alltäglicher Grausamkeit verändern. NANKING! NANKING!, ein zeitgemäßes, melancholisches Werk, dem gleichzeitig in China veröffentlichten JOHN RABE von Florian Gallenberger weit überlegen.

Laut Regisseur Lu sind dem Film ausgiebige Recherchen chinesischer und japanischer Quellen vorangegangen. Tausende Photographien aus der Zeit haben die winterlich karge Ästhetik der Schwarzweißbilder bestimmt. Mit seiner dokumentarhaften Optik und und der Weltkriegsthematik liegt der Vergleich mit Steven Spielbergs SCHINDLERS LISTE (1993) sehr nah. Bei allem Realismus ordnet sich NANKING! NANKING! jedoch nicht der Prämisse einer übertrieben akribischen Geschichtsdarstellung unter. In dem freien Umgang mit dem historischen Stoff gleicht er JOHN RABE zwar, absolviert den Seiltanz zwischen Zurückhaltung und Dramatisierung indes mit sicherer Balance. So sind die meisten der Protagonisten fiktiv, aber aus den Erfahrungsberichten zahlreicher Zeitzeugen herausgefiltert. Und wie eine Collage wirkt auch der episodisch angelegte Film. Ohne sich auf nur eine bestimmte Person zu beschränken fädelt Regisseur Lu das Geschick mehrerer Protagonisten zu einem reich detaillierten Kriegspanorama zusammen, das bis in die Nebenrollen hinein präzise wiedergegeben ist.

Da ist vor allem der japanische Soldat Kadokawa, der sich den Barbareien seiner Kameraden nicht völlig entziehen kann, dem aber die katholische Erziehung ins Gewissen redet. Eine Hauptfigur, die nach Umwegen aus sich herauswächst, ist Tang, John Rabes Sekretär. In der Hoffnung, seinen Landsleuten Erleichterung zu verschaffen, bandelt er mit den Japanern an. Miss Jiang, auch katholisch, ist im Zonenkommittee eingebunden und opfert sich für die Frauen der Stadt auf. Die Darstellungen auch von Tangs Familie, Kadokawas Kameraden, einem Kindersoldaten, dem Deutschen John Rabe und von japanischen Militärbonzen bereichern das Gesamtbild.
Dabei rutschen all diese Charaktere (im Gegensatz zur deutschen Verfilmung) zu keiner Zeit in Klischees ab. Ungekünstelte, alltägliche Dialoge (in mindestens vier verschiedenen Sprachen), gehaltvolle Blicke. Kein Streichorchester ist hier nötig, um uns aufzuwühlen. Lu erklärt wenig, zeigt bloß. Vor allem interessiert ihn die Frage, wie es zu jener unbeschreiblichen Brutalität kommen konnte, die die japanische Armee binnen weniger Wochen über die mehrere hundert Tausend Einwohner zählende Metropole am Jangste entfesselten. Er sieht die Ursache nicht in der Wesensart der Japaner oder einer bestimmten Generation, sondern im Menschen selbst. In einem Interview erklärt er:

“Dieses Böse – in einem Krieg schonungslos zu töten, die Keuschheit einer Frau gefühllos zu verletzen – vielleicht ist das im Herzen eines jeden. Es ist bloß so, dass man keine Möglichkeit hat, es zu loszulassen. Denn ich habe eine Menge Tagebücher von japanischen Männern gelesen. Daheim waren sie alle gute Menschen, sehr liebe Menschen, aber nach und nach, als sie auf dem Schlachtfeld waren… weil es kein Gesetz gab, dass sie eingeschränkt hätte, sie konnten so viele töten wie sie wollten, so viel stehlen wie sie wollten. Langsam begannen es ihnen zu gefallen, weil sich ihre Macht unendlich erweiterte. (…) Was an diesem Film am interessantesten ist, dass wir darüber sprechen, warum gewöhnliche Menschen in China teuflische Dinge taten.”

An einer Stelle im Film entlarvt Lu die jungen Soldaten in ihrem Beisammensein beim Sport als Bengel, die fern der Heimat der Versuchung ausgeliefert sind ihre dunkelsten Triebe auszuleben. Das Bild eines grotesken Ferienlagers kommt ihrer Wahrnehmung des Krieges vielleicht am nähesten. Die Gemüter ungeschliffener Männer, die statt ein inneres moralisches Bewusstsein zu entwickeln die Entscheidung über Richtig und Falsch der Gruppe anpassen. Gedanken an Konsequenzen, Mitleid, individuelle Verantwortung werden im Rausch des Gefechtes erstickt, sterben ab.
Es braucht diese nüchterne Einstellung um in einem Film über Nanking keine Vorurteile zu ziehen, sondern einfach nur Menschen in ihren dunkelsten und hellsten Facetten zu zeigen. Lus Neutralität rief in seinem Heimatland deshalb auch negative Reaktionen hervor.
Dabei tut er dem Zuschauer keinen Gefallen etwas abzumildern oder gar zu beschönigen. Den von Soldaten bedrohten Mädchen kommt keine Rettung in letzter Sekunde. Das Leben triumphiert hier – wenn überhaupt – nur unter bitteren Opfern. Oft ist es neben den drastischen Massenszenen die lapidare Willkür, die schockiert. Erhängte baumeln an Straßenlaternen. Die Körper von zu Tode vergewaltigten Frauen werden wortlos auf eine Schubkarre gestapelt und weggeworfen, ohne dass die Soldaten Notiz nehmen. Wo JOHN RABE happy endet, fährt NANKING! NANKING! unerbittlich weiter. Inmitten dieser erschütternden Bilder blitzen auch zerbrechliche Momente des Mitgefühls, der Poesie, von Heldenmut auf.

Bei aller Objektivität endet die Geschichte mit einer Racheprophetie. Kadokawa lässt zwei ungleiche Soldaten laufen, die er eigentlich hinrichten soll. Die beiden gehen befreit einem Wald entgegen und können es kaum fassen: Little Boy und Fat Man. Trotz dieses Schlussbildes beweist hier ein junger Regisseur, dass man das Thema Krieg mit Reife umsetzen kann, ohne in schlechtes Hollywoodimitat oder exploitative Propaganda abzuschmieren. Ein Film, der wegen seiner ästhetischen Qualitäten einen unmittelbar ins damalige Geschehen hineinzuwerfen scheint, der hilflos, zornig, demütig macht und der in eine Reihe mit SCHINDLERS LISTE erwähnt gehört.

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Der Trailer hier betont etwas zu sehr die Actionszenen…

Seite zum Film (Chinesisch).

Kokuhaku – Jeder hat seine Leichen im Keller

“Kokuhaku  – Confessions” / 2010. Japan / Nakajima Tetsuya / 106 Minuten / Spielfilm

Frau Moriguchis (Matsu Takako) Tage als Lehrerin an einer Mittelschule sind gezählt: Ihre kleine Tochter wurde leblos im Schwimmbecken  der Schule aufgefunden, und sie weiß, dass es kein Unfall war. Musterschüler Shûya und Underdog Naoki haben sie getötet. Die Lehrerin verabschiedet sich von ihrer Klasse deshalb mit einem Geständnis: den beiden minderjährigen Mördern hat sie AIDS-verseuchtes Blut in die Pausenmilch geflößt – Rache einerseits, Erziehungsmaßnahme andererseits.
Nachdem Moriguchis ahnungsloser Nachfolger den Unterricht antritt übt die Klasse Selbstjustiz: Dem zu Hause in seinem Zimmer verwahrlosenden Naoki schickt sie Todesgrüße, Shûya wird täglich gemobbt. Einzig Shûyas Freundin Mizuki steht ihm bei. Während Frau Moriguchi leise im Hintergrund agiert offenbaren auch die anderen Figuren ihre Geständnisse. Angewidert von seinen Kameraden und den Erwachsenen plant Shûya den nächsten Anschlag…

Filme, die den rapiden Verfall der japanischen Seelenlandschaft seit dem Ende der Bubble-Wirtschaft thematisieren, gibt es zuhauf.  Apathische Teenagerblicke  gehören da inzwischen genau so zum Klischee wie blutige Rasierklingen. Schon wieder so ein brutaler Film aus Japan, mag da manch einer stöhnen. Doch was KOKUHAKU hervorstechen lässt ist nicht nur seine stringente Erzählweise, sondern auch die exquisit-zeitgemäße Gestaltung. Regisseur Nakajima Tetsuya hat die Romanvorlage der ehemaligen Lehrerin Minato Kanae in eine sorgfältig aufeinander abgestimmte Charakterstudie mit MTV-Ästhetik und Popmusik (u.a. von Radiohead) umgearbeitet.

Es geht um Gewalt unter Kindern. Wenn einer meint, die Darstellungen in KOKUHAKU seien überzogen, hat von den Amokläufen, den Selbstmordgemeinschaften, dem weitverbreiteten Mobbing in Japan noch nichts gehört. Seit den späten Achtzigern wächst die Jugendkriminalität rasant an, und das bei rückläufigen Geburtenzahlen. Die Fälle von Raub, Totschlag, Erpressung, sexueller Gewalt an Schulen und in den Familien gehen jedes Jahr in die Zehntausende. Kaum eine Woche ohne Schreckensmeldung: erdrosselte Schüler, verhungerte Babies, verbrannte Eltern. Symptome einer Gesellschaft, die – seit Jahrzehnten auf Leistungswut und Konsumismus programmiert – von innen her vergletschert.
Die von prekären Lebensverhältnissen verstärkte Krise greift vor allem die empfindlichsten Mitglieder der Gesellschaft an. Kinder und Jugendliche wachsen unter zunehmenden Druck auf, ohne Antworten auf Sinnfragen zu erhalten. Sie erkennen, dass die oft wiederholte Platitüde ‘Das Leben ist wertvoll’ die Hilflosigkeit der Erwachsenen nur noch verdeutlicht. “Niemand hat mir beigebracht, dass Mord etwas Böses sei”, sagt Shûya an einer Stelle des Films. Was wiegt das Leben, will Mizuki ihre Lehrerin Moriguchi fragen. Nicht viel, meint Shûya und schlägt zu.

In diese Untergangsstimmung sticht KOKUHAKU wie ein Seziermesser hinein. Schneidend der Sakasmus, mit dem er antiauthoritäre Lehrer wie ohnmächtige Eltern entblößt, aber auch die selbstgerechten Vorstellungen der Teenager zerkleinert. Kokuhaku bedeutet “Geständnis” und Nakajima lässt in langen Dialog- und Narrationssequenzen die Figuren (nicht selten losgelöst vor monochromen Hintergründen platziert) ihr Intimstes beichten. Bild für Bild, Schicht für Schicht arbeitet sich der Film in die von Komplexen gezeichneten Innenwelten. (Wer die letzten zwei Folgen der Fernsehserie EVANGELION mochte, wird KOKUHAKU lieben.)

Das klingt kopflastig und theatralisch, ist aber so atemberaubend dargestellt, dass man seine Augen nicht von der Leinwand loslassen wird. Perfekt photographiert und vertont kreiert KOKUHAKU eine Gravitation, die den Zuschauer in den Film hineinzieht. So wie ein Strudel immer wieder die gleichen Stellen passiert und sich gegen die Mitte hin immer schneller dreht, streifen Flashbacks vergangene Szenen und lassen sie durch neue Erkenntnisse oder Gedächtnisbrocken der Figuren in anderem Licht erscheinen. Zeit ist ein Kernmotiv. Sie erinnert an die nicht rückgängig machbare Realität des Todes. Slow Motion-Aufnahmen dominieren, an anderen Stellen werden die Bilder gerafft oder laufen rückwärts. Mit einer Bombe will Hobbyerfinder Shûya seine Geschichte beenden, sie lässt aber vor allem die Zeit an sich detonieren: In einer finalen Effektsequenz – in ihrer ausladenden Gründlichkeit vielleicht einzigartig in der Kinogeschichte – vollzieht sich seine, unsere Katharsis. Eine Klimax, bei der selbst Darren Aronofsky zu Staub zerfallen würde. Nakajima offeriert im Kino die Wiedergeburt, die dieses Land braucht.

Eine solche Tour de Force erfordert starke Schauspieler und KOKUHAKU befriedigt auch in dieser Hinsicht. Matsu Takako strahlt mit unterkühltem Spiel eine unheimliche Präsenz aus. Was die Kinderdarsteller (zum Zeitpunkt des Drehs 13-14 Jahre alt) abliefern ist großartig. Wenn man das von Rage verzerrte Gesicht des messerschwingenden Naoki in Großaufnahme sieht, dem in Zeitlupe ein Blutschwall an die Backen spritzt, meint man für einen Moment lang weniger Zeuge eines Jugendverbrechens zu werden als einer entfesselten Urgewalt.

Jedes Mal wenn ich denke, das japanische Kino sei endgültig zu Bedeutungslosigkeit verdammt, lehrt mich ein unerwartet radikaler Film eines besseren. Nakajima Tetsuyas KOKUHAKU ist ein Kammerspiel, das äußerlich wirkt wie ein anderthalbstündiges Musikvideo, und aus dessen hypnotischen Sog der Zuschauer erst erlöst wird, nachdem er die volle Agonie seiner Charaktere mitdurchstorben ist. Der Film des Jahres.

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Outrage – Der eine macht den andern kalt

“Outrage” / 2010. Japan / Kitano Takeshi / 109 Minuten / Spielfilm

Zwei Yakuzabosse teilen sich die Macht in der Stadt: Ikemoto, unter dem der brutale Ôtomo (Kitano Takeshi) arbeitet, und Murase. Über ihnen steht der alternde “Vorsitzende”. So weit so friedlich. Als eines Abends einer von Ikemotos Leuten in einen Nachtclub Murases übers Ohr gehauen wird, gilt es, Geld und Gesicht zu bewahren. Hasebe entschuldigt sich bei Ôtomo, die beleidigten Untergangster zahlen es sich dennoch heim. Teppichmesser und Baseballschläger sind dabei noch die harmloseren Mittel der sich verkomplizierenden Kommunikation. In der sich nun lawinenartig eskalierenden Gewalt im Kampf um Positionen merken die Banden nicht, dass der Vorsitzende sie gegeneinander ausspielt. Die Polizei ist in das Intrigenschach ebenso verwickelt wie afrikanische Botschafter, und bald weiß man nicht mehr, wer nun wen hintergeht, man verfolgt lediglich die nächsten Ausgüsse an brutalem Einfallsreichtum. Am Schluss hat sich das Feld gelichtet und mit einem neuen Vorsitzenden beginnt das Machtroulette von vorne.

OUTRAGE ist der erste Yakuzafilm Kitano Takeshis nach einer zehnjährigen Pause, in der er mit untypischen Filmen mal mehr, meist weniger kassentauglich sein Image als Auteur lapidar-phlegmatischen Gewaltkinos demontierte. In TAKESHI’S (2005) parodierte er sein bisheriges Oeuvre, im darauffolgenden GLORY TO THE FILMMAKER! (2007) konfrontierte er verdutzte Fans wie Kritiker mit seiner Schaffenskrise. Einzig ZATÔICHI (2003) sticht als Rundumerfolg heraus.

Auf dem ersten Blick schaut OUTRAGE aus wie der Film, auf den alle gewartet haben: Kitano beherrscht das Yakuzagenre wie im Schlaf, die Bilder sind elegant wie nie und wie in seinen früheren Werken in kühles Blau getaucht. Harte Jungs in Designeranzügen ballern dem Zuschauer den Kopf rauchig. Und wie so oft ist die Ausweglosigkeit aus einer sich immer schneller windenden Gewaltspirale, die nichts als Leere hinterlässt, das Thema. Doch was zunächst wie eine Rückkehr Kitanos in vertrautes Terrain erscheint ist in Wirklichkeit der Final Cut, mit dem er sich von seinem früheren Schaffen einerseits loslöst, es andererseits gelungen bündelt.

Zunächst fällt auf, dass Kitano seine früheren Stammschauspieler mit einem Spitzenensemble neuer Gesichter ausgewechselt hat. Sie mimen keine schweigenden Gestalten mehr, die darauf warten wie Vulkane auszubrechen oder in unschuldigen Momenten am Strand herumalbern. Stattdessen fluchen, prügeln, tricksen sie was das Zeug hält. Die Schnitte sind gerafft, die Handlung verläuft Schlag auf Schlag. Bei einer wackligen Verfolgungsjagd quietschen die Reifen. Und als hätte DJ Crush mit 80er Jahre-Platten experimentiert präsentiert sich der Soundtrack minimalistisch, als harte Mischung aus elektrisch-zersplitterten Beat- und Noise-Ketten.

Auch inhaltlich vollzieht OUTRAGE den Wechsel. Der Film versenkt den Mythos der Yakuza als Verbrecher von Ehre eher als ihn zum x-ten Mal zu feiern. Zwar ließ Kitano auf ähnlich nihilistische Weise seine Figuren schon in BROTHER (2000) untergehen, erkannte ihnen jedoch noch archaische Kriegerprinzipien (stoische Ruhe, blitzschnelle Gewalt, Loyalität bis zur Selbstverleugnung) an. Dem Ensemble aus kleinen wie großen Kriminellen in OUTRAGE wird genau dieser Mythos zur Falle. Einerseits ist das Kollektiv eingestrickt in bis zur Absurdität getriebene Respektcodes, andererseits ist das Individuum nicht in der Lage Pflicht vor persönliche Habgier zu stellen. Geld und Einfluss sind alles was zählt, für abgeschnittene Finger interessiert sich niemand. Die junge Generation lehnt sich auf, Loyalitäten brechen weg. Nimmt man die Yakuza mit ihren tiefen Verflechtungen in Politik und Wirtschaft als Hohlspiegel des konservativen Gesellschaftskerns – hoffnungslos patriarchalisch, bis zum Verrenken durchzogen von Hierarchien – kann man auch die Selbstzerfleischung des japanischen Machtsystems als Ganzes erkennen, das Ehre als Vorwand für ein zu sensibles Stolzempfinden gebraucht.

Dass sich das ganze nicht ohne Kitanos ironischen Sinn für Humor abspielt rettet den Film vor allzu krassem Defätismus. Da spielt der korrupte Kriminalbeamte seinen Polizeikollegen den Durchgreifer vor, und Ôtomo spielt um der Harmonie willen mit. Der Oberboss ist ein Kim Jong-Il in Miniaturformat, der von einer skurrilen Parallelwelt aus die Fäden zieht. Auf drastische Momente der Gewalt folgt häufig ein Schnitt, der diese auf den Kopf stellt.

OUTRAGE besitzt Brillianz, ist aber weit entfernt von den Qualitäten von, sagen wir, SONATINE (1993). Eine mitnehmende Handlung ist auch Kitanos Absicht (und Stärke) nicht. Im Mittelpunkt stehen Gewaltstakkatos, die so wirken, als ginge es ihm um das Durchexerzieren von Genrekino, wie ein Handwerkermeister, der durch Wiederholung die Form perfektioniert, bis diese selbst zum Inhalt wird. Man kann OUTRAGE womöglich auch als endgültigen Abgesang auf Kitanos Yakuzafilm betrachten, wenn man bedenkt, dass er sich schon in GLORY TO THE FILMMAKER! selbst parodiert hat, als er mehrere Minuten lang einen Mini-Yakuzafilm inszenierte. Dort knallten sich die Gangster dermaßen lustlos ab – Hauptsache Klischee bewahren. Als eine brachiale Verschmelzung seines früheren Werkes mit dem selbstkritischen Schaffensansatz der letzten Jahre ist OUTRAGE für Fans dennoch mehr als sehenswert: Düster, schnell, ironisch. Mit einem Wort: Knallhart.

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“My Darling is a Foreigner” – Or is he an angel?

“Darling wa Gaikokujin – My Darling is a Foreigner” / 2010. Japan / Ue Kazuaki / 100 Minutes / Drama

Weak English skills don’t hinder aspiring comic book writer Saori from dating her love interest Tony, a language nerd from the United States. They move into a house at the sea (which appears to be suspiciously spacious for a yenless young couple) to slowly overcome differences in culture and language. Shadows appear on their sunny romance when her father opposes the idea of a foreign son-in-law. To gain his respect Saori plunges herself into a 24/7 working mode, ignoring Tony’s desperate invitations for a cup of milk tea. Just at the time her comics start selling her father’s health breaks down along with the relationship with Tony. The father passes away and Tony leaves Japan to give themselves a break. Saori recollects herself. The inevitable happy end draws near as she jumps onto the next airplane to reunite with Tony in New York.


Not being much of a romantic guy myself, it is no surprise that love comedies belong to the genres that I avoid more or less consciously, along with splatter films and sport dramas (though those are much worse). The ones I have watched in the past were usually at movie evenings with my church friends – most of them girls.
So, the reason I went to the theater to watch DARLING WA GAIKOKUJIN lies not only in its intercultural theme but because I am in one of the scenes! Yeah, right at the beginning! My second cousin who worked on this movie as a production assistant invited me over to Tôkyô last summer, to serve as an extra. There I’m standing in celluloid as a foreign party guest. Shooting was fun, because I could spend the day with about thirty extras from different countries in a luxury mansion. It provided me with an interesting chance of talking with Tôkyô foreigners, some of them students, some of them entrepreneurs, soldiers or models.

Just like seemingly most Japanese movies nowadays DARLING is based on a comic book series of the same title, and those are based on the real-life experiences of manga-writer Oguri Saori and her husband Tony László. Yes, on the remote island country that Japan thinks itself to be, the mystery of international marriages still provides matter for bestselling literature. The comic books present us humorous yet clever essays about cross-cultural discoveries, all in Oguri’s unique style. Despite the not-so-subtle title “My Darling is a Foreigner” Oguri makes it clear that Western men are neither necessarily romantic princes nor dangerous erotomaniacs, and by keeping her focus put on simple everyday life issues that basically all couples have to deal with (doing the laundry, cooking curry or different sleep-wake rhythms) the ordinary, human side of Tony and everyone else shines through. One could even speculate that she would have made a manga regardless of her partner’s nationality anyway, as she has a heart-warming sense for characters.

It was only a matter of time somebody would pick her books to be made into a lighthearted love comedy, or as we say rabukome.

Well, judging from the form conventions of rabukome, DARLING WA GAIKOKUJIN doesn’t stand out much from the piles of similar Japanese works. Inoue Mao (23) plays Saori and a young Hugh Jackman Tôkyô-based (?) American performer Jonathan Sherr (35) is given chance to enact Tony. It’s the first movie for director Ue Kazuaki (55) who has been doing commercials for most of the time.
What makes this movie a little bit different from the other romance stories is of course the cross-cultural subject. Considering the broad complex of issues related to foreigners in Japan (of which “white” Westerners like Tony still belong to the luckier ones) DARLING succeeds fairly well in keeping the balance between political correctness and caricaturization, but falters upon the deficiencies of its own genre. On the one hand the movie addresses the typical behavior of Japanese and foreigners rather well, depicting a diverse society while exposing prejudices on both sides. (It is always nice to see female Japanese in executive positions such as the editor of Saori’s publisher, or non-white people being allowed to do normal stuff in Japanese movies.)
On the other hand DARLING’s very genre demands its protagonists to be remodelled into woodcut-like stereotypes again – ouch! Saori’s idealized family seems to be copied and pasted right from a tv commercial. The biggest victim of the softened script is the character of Tony himself. It is the big irony of DARLING WA GAIKOKUJIN that the angel-like Tony comes across as the very cliché that many Japanese women weary of their chauvinist or ‘herbivore‘ countrymen are dreaming of. The shallow acting skills of Inoue and Sherr don’t help either, but create that cheezy atmosphere most movies cobbled together from cute but inept pop idols suffer from these days. Of course, there’s nothing wrong with easy-to-digest entertainment. How much depth can you expect from a film that sees Saori running down the street to an ultra-embarassing Japanese rap song? If people get the plain message from her mom (“Don’t blame it on nationality, people are just different”) there’s not much to complain about the substance.

One problem I see might stem from the different natures of the original work and the dramatization in film. The comics had funny personal essays, giving Tony even a direct voice with some special “Tony talks to himself” pages, while the movie tries to knit those random topics into a standard rabukome-narrative. The main focus lies on Saori. In the first few minutes the movie experiments with cute animations and staged street interviews of international couples (not unlike the surveys presented in the books), but soon gives in into predictable genre-conventions. The storyline finally culminates in awkward moments of the couple reuniting right in front of a wedding ceremony and Saori being proposed fairytale-style by Tony. It is also doubtful that real life events already manifactured into manga form work out well when retranslated into movie scenes. And as it is often the case, interesting episodes described in the original work are replaced by weaker plotpoints. The actual Tony László, we learn from the comic, got to know Saori’s mother by bumping into her on the street while he was riding a monocycle! An episode like that begs for a film adaption, but the scriptwriter dropped it in favor of a standard meet-the-parents scene.

Still, DARLING got its qualities. It’s beautifully photographed, it’s friendly and it has a number of powerful moments of calm. There were many shots loaded with emotion but executed with skillfull discretion: The first came in a montage of Tony and Saori’s happy love life at the beginning: As the two come close, we only see their shadows on a wall. Then follows a bed scene, but all we see is a close-up shot of their entwined hands on the bed. In any Western movie this would have been the time to show naked celebrities. The allusion is much more poetic. Later we are shown the sad moment when Tony says goodbye, to leave for his flight without Saori. She doesn’t look at him but silently lets two tears drop onto the paper of her working desk while we hear  the sound of Tony leaving the house. For moments like those I don’t regret watching DARLING WA GAIKOKUJIN – and of course for my small cameo. I recommend reading the comic books nonetheless.


The official website in Japanese (a smaller English site can be found there, too).

“Avatar” – Stomping into odd worlds

“Avatar” / 2009. USA / James Cameron / 161 Minutes / Drama

A ruthless corporation is mining out Pandora, an alien moon inhabited by a splendid flora and fauna together with the humanoid Na’vi, who are struggling for preservation of their Garden of Eden. Since Greenpeace doesn’t rush to help, they rely on spears, shamans and some human allies, among them scientists who develop Na’vi bodies that can be possessed by humans. As one of them, Jake Sully, spies the Na’vi clan from the inside he falls in love with the chieftain’s daughter and their LOHAS lifestyle. When the struggle between the earthlings’ military and the Pandoran ecosystem starts getting ugly Sully takes side for his new home land, saves the day and gets the girl.


Watching movies has often been compared to dreaming and one of cinema’s greatest potentials is the power to draw you into alternative worlds. Many of those who watched James Cameron’s AVATAR in the last few weeks seemed to be so consumed by its fantastic landscapes that returning to the seemingly dull, real world causes some to even experience depression, according to a recent CNN article. It seems as if after AN INCONVENIENT TRUTH and all the research revealing how rapidly our home planet is dying AVATAR offers a welcome escape into an idyllic world that can after all be saved from human destruction.
So I too watched AVATAR and I hate to confess that it left me oddly unmoved. I don’t mind if a movie plays on nothing but great visuals, but after all the media hype in which this movie has been proclaimed a paradigm shift in filmmaking, even historic, I can’t hide my disappointment. It is entertaining and gorgeous to look at – but aside from improved 3D projection technology and soaring CGIs AVATAR has little that can’t be found in dozens of similar movies and video games. Sadly, I thought the 3D effects were extremely distracting, the music worn-out, and plot and characters as predictable as a movie about the Titanic.

I will only touch briefly AVATAR’s most obvious feature: 3D. I didn’t get headaches but I had the impression that it actually hindered me from grasping the whole picture, especially during the exposition part. One problem I see lies in the nature of the physical camera, creating stark out-of-focus areas which feel strange for a true three-dimensional illusion. It got better as soon as the virtual camera allowed wide-angle shots with deep focus, but at that time it added neither anything to the excitement nor to the storytelling. I even come to conclude that the 3D projection was the major reason I felt so uninvolved from the AVATAR world.

Much more captivating were the computer-generated environments and characters of Pandora. AVATAR simply looks magnificent. The unparalleled density and credibility of the simulated jungles were so striking that I found it even unnatural not to believe the trees, the rivers, the air of Pandora being real-life footage mixed with some funny CG animals jumping around. It’s uncanny.
However, while acknowledging the tremendous work of James Cameron and his platoons of designers and animators, I cannot fully join the choir of those considering AVATAR an exceptionally creative achievement. Personally, ever since I watched STAR WARS – EPISODE I, where computer-generated characters already interacted seamlessly with the life actors in a digital fantasy world, I knew that anything would be possible with digital technology. AVATAR is the obvious and inevitable milestone in a development pushed by movies like JURASSIC PARK, FINAL FANTASY and WALL·E and if we watched those we can be little surprised by the life-like textures and animations of the Na’vi.
Even aesthetically speaking, compared to the dazzling worlds of most Japanese video games such as those of the FINAL FANTASY series, Pandora’s design is far from being outstandingly creative. Games have continually been feeding the hunger for the exotic with evermore fantastic settings. So, nothing really new here, however great it is. I am reminded of the ODDWORLD series of the now defunct game company Oddworld Inhabitants: The ODDWORLD games too were a fable for nature endangered by industrial exploitation. The story revolved around the green-skinned tribal folks known as Mudokons who could possess animal creatures and looked pretty much like the goofy brothers of the blue Na’vi. Long before AVATAR, the Oddworld games  delivered an example of an imaginative virtual environment along with anti-consumerist messages. The times I sat in awe of computer-generated wonderlands forgetting that they are mainly serving themselves are long passé. What I now want is a decent content in the shiny box.

Sad to say, however, that AVATAR’s story is light years away from the staggering magnitude of its images. I dare to suggest that if it had been shot with only half of the CGI and the Na’vi replaced with blue-painted humanoids á la Star Trek this movie would have been torn apart by the critics as teenage fantasy on steroids. While AVATAR’s in-your-face-metaphors render the earnest effort for visual credibility into a wearisome farce the plot bears nothing that would not seem calculated by repetitive hollywood schemes. I have to admit though, that thousands have left the theater truly touched by the story and the ecological message. Does the movie hit some subconscious longing for an innocent, harmonious life? The primordial memory of our ancestors? Are the audiences of 2010 so detached from the wonders of nature to believe that Pandora offers more biodiversity than Earth (well, it soon will)? AVATAR surely expresses the joy of life that many lack in reality.
Still I want to put the film’s message in perspective. Watching it in a Japanese theater I was surely not the only one reminded of director Miyazaki Hayao’s animation works like NAUSICAÄ (1984) or PRINCESS MONONOKE (1997). Cameron himself admits being a fan of Miyazaki’s. Those movies share the environmental theme and an animistic world view. Especially PRINCESS MONONOKE’s mystical natural ties represented by a mothertree and forest spirits are similar to AVATAR. The difference is the complexity of the personalities, their relationships and the plot and that PRINCESS MONONOKE’s characterization never slips off to shallow juxtapositions of good vs. evil. And the perfect symbiosis of content and form makes it really unforgettable. To Western audiences, the notion of spiritual and energetic interconnectedness between all beings might still be somewhat foreign, while the Japanese conceive it more naturally. Miyazaki’s profound Shintô sensitivity stands in stark contrast to the good-willed but shallow hippie-spirituality of Cameron, who strings together esoteric and ethnic clichés in rather unimaginative ways (one could also elaborate on the many interesting Hindu influences, but I know too little about that). It simply lacks the depth and maturity to keep up with its technical grandure.

Although thin on substance the spectacular AVATAR bears potential and will certainly convince me better after a second viewing – in 2D. Nowadays it might take a $300 million movie to remind us of the thousandfoldly more magnificent world we are given here on Earth.

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Here is the offical site.

“John Rabe” – Das Nanking-Massaker im Film I

“John Rabe” / 2009. Deutschland, Frankreich, China / Florian Gallenberger / 130 Minuten / Spielfilm

China im Dezember 1937. Der gebürtige Hamburger John Rabe (Ulrich Tukur) leitet die Siemens-Fabrik in der Hauptstadt Nanking. Nach über 30 Jahren im Ausland kehrt er bald nach Deutschland, das inzwischen Nazideutschland ist, zurück. Doch dann fällt die japanische Invasionsarmee über die Stadt herein. Rabe fasst Mut und errichtet mit den anderen Ausländern eine Sicherheitszone für die 200 000 Zivilisten, die nicht rechtzeitig fliehen können. Das Siemens-Gelände ist nun ein Flüchtlingslager.  Der japanischen Willkür trotzend kämpfen Rabe und sein internationales Sicherheitskommittee wochenlang um Nahrung und Schutz für die Bevölkerung. Als “lebender Buddha” verehrt, kehrt er schließlich – mit seiner Frau, die er für tot gehalten hatte – nach Deutschland zurück, kurz bevor die Besatzer die Zone zu stürmen drohen.

In Roman Polańskis Holocaustdrama DER PIANIST (2002) gibt es folgenden einprägsamen Moment. Der Protagonist irrt über einen von elenden Gestalten besuchten Platz des Warschauer Ghettos. Vor seinen Augen kommt es zu einem Streit zwischen einem ausgehungerten Greis und einer Frau. Der Greis entreißt der Frau einen Topf mit Grütze. Der Topf fällt zu Boden, sein Inhalt quillt auf das schmutzige Straßenpflaster. Der Mann stürzt sich auf die verschüttete Grütze und schiebt sie sich in den Mund, ohne sich von den Schlägen der verzweifelten Frau stören zu lassen. Dieser kurze Moment spricht Bände über das Leben im Ghetto und es braucht das erfahrene Auge eines talentierten Regisseurs wie Polański, um sie zu erkennen und in eindringliche Filmmomente umzusetzen. Es mag der mangelnden Erfahrung des Regisseurs Florian Gallenberger oder einer unsicheren Produktion zu schulden sein, dass es JOHN RABE genau an dieser unpathetischen Reife mangelt und er stattdessen zu einer Aneinanderreihung von Klischees aus dem Hollywoodschulbuch missraten ist.
Wenn das Kino Vergangenheit zum Leben erweckt ist es üblich und nötig, bestimmte Figuren und Ereignisse auszulassen, hinzuzudichten, oder auf geschickte Weise zu raffen, so dass ein Charakter mehrere historische Gestalten auf einmal vereint, oder mehrere kleine Episoden zu einer großen zusammengefasst werden. Das Kino als eine Kunst des Erzählens ist auf diese Freiheit angewiesen. Da schadet es nicht, wenn in Tarantinos INGLOURIOUS BASTERDS einmal das gesamte Naziregime samt Hitler in einem großen Knall untergeht. Eine zu penible historisch-akkurate Darstellung kann leicht zu einem pointenlosen Abhandeln von Ereignissen (siehe DER BAADER MEINHOF KOMPLEX) geraten – kein Film, sondern bloß Verfilmung.

Der junge Regisseur Florian Gallenberger will erzählen, und zwar von dem guten Deutschen von Nanking, dem Fabrikchef John Rabe. Ein Nationalsozialist, der im kriegsgebeutelten China 200 000 Menschen vor einem Massaker bewahrte? – Das ist ein Stoff fürs Weltkino und man merkt dem Film die Ambition an, mit der er in die großen Fußstapfen von SCHINDLERS LISTE zu treten wagt. Da krachen die Fliegerbomben und kostümierte Menschenmassen dürfen die sich bewegende Weltgeschichte mimen. Viel Schall, viel Rauch und natürlich der obligatorische 30er-Jahre-Pattenspieler. Doch leider rutscht Gallenberger die Balance zwischen erzählerischer Freiheit und historischer Genauigkeit aus den Händen. Es ist die große Sünde dieses Films, der sich mit Dokumentarschnipseln um Authentizität bemüht, und hochkarätig besetzt ist, dass er der Kraft roher Geschichtsschilderung nicht vertraut, den Zuschauer stattdessen mit forciertem Drehbuchpathos zu großen Gefühlen zu bewegen versucht.
Dazu gehören der kitschige Abschied von Rabe und seiner Frau am Hafen, und der zum Ende hin mit Mühe zugespitzte Konfrontationsmoment zwischen Zonenflüchtlingen und der japanischen Armee. Dazu gehören das “Guter Nazi-Böser Nazi”-Schema, und ein von Gewissensbissen geplagter japanischer Major. Mit solch ausgelutschten Operettenideen, untermalt von ausgelutschter Musik, die man von ZDF-Fernsehfilmen gewohnt ist, mag Gallenberger den Vorstellungen der Filmakademien vom “großen Kino” entsprechen, verdirbt aber letztlich einen spannenden Stoff. Wenn man John Rabes Tagebuch – auf das sich der Film stützt- ohnehin kaum beachtet, sollte man die daraus falsch zitierende Erzählerstimme Ulrich Tukurs lieber ganz auslassen und den Zuschauer mit so originellen Sätzen wie “Wir sind jetzt völlig von der Außenwelt abgeschnitten” doch lieber verschonen. Auch andere Freiheiten, wie etwa die Umwandlung der couragierten amerikanischen Rektorin Minnie Vautrin, die damals für die Studentinnen des Ginling Girls Colleges ihr Leben aus Spiel setzte, in eine “Madame Dupres”, sind unverständlich.
Ich frage mich, warum die Filmemacher zu solch billigen Mitteln greifen, wo es dem Nanking-Tagebuch des historischen Rabe an drastischen Augenblicken nicht mangelt, und das bei aller deutscher Kleinlichkeit nicht frei von Gefühlswallungen ist. Er und seine Leidensgenossen dokumentierten 1937/38 gewissenhaft die Zerstörungswut und den Terror der marodierenden Soldateska in Tagebüchern, Telegrammen, Briefen:

“7ter Januar
Während meiner Abwesenheit ist heute vormittag um 10 Uhr ein japanischer Soldat in meine Dienerräume eingedrungen. Die Frauen und Mädchen sind schreiend in meine Wohnung gelaufen, von dem Soldaten bis in die Dachstube verfolgt, wo ihn ein mich zufällg besuchender japanischer Dolmetscher-Offizier stellte und dann hinausbeförderte. An diesem Vorfall kann man ermessen, wie es um die Sicherheit in europäischen Häusern heute, 26 Tage nach der Einnahme der Stadt, in Nanking bestellt ist. […]
Eine andere Frau aus der gleichen Gegend, die mit ihrem Bruder in einem unserer Lager untergebracht wurde, hat ihre Eltern und drei Kinder verloren, die alle von den Japanern erschossen wurden. Für ihr letztes Geld kaufte sie einen Sarg, um wenigstens den toten Vater zu begraben. Japanische Soldaten, die davon Kunde erhielten, rissen den Deckel vom Sarg und warfen den Leichnam auf die Straße. Chinesen brauchen nicht begraben zu werden, war ihre Erklärung.”

Apropos. Kritisch auch die Kriegsdarstellung, bei dem sich JOHN RABE verhältnismäßig zurückhält. Verhältnismäßig deshalb, weil die Spielfilmszenen den Eindruck des unbeschreiblichen Chaos’ von zehntausenden flüchtenden Menschen, das die vereinzelten Einschübe der Filmdokumente andeuten, nicht aufrechterhalten. Die lebenswichtige Rolle des Sicherheitskommittees wird nur mit Wissen um das Ausmaß der Verbrechen verständlich, doch der uninformierte deutsche Zuschauer  bekommt dies nur unzureichend vermittelt. Nein, es geht nicht darum, Massenmorde und -vergewaltigungen noch schockierender zu bebildern. Aber ein Film, der dem Vermächtnis Rabes gerecht werden will, darf sich nicht in frei erfundenen, selbstdienenden Nebenplots verlieren. Leider dominieren vor allem solche kammerspielhaften Dramoletten die zweite Hälfte des Geschehens: Rabe und der Klinikleiter Dr. Wilson kumpeln sich an, man feiert Weihnachten, Rabe wird krank und gepflegt, usw.
Befremdend auch Gallenbergers Desinteresse an jenen, die am meisten unter der Besatzung zu leiden hatten: die chinesische Zivilbevölkerung. Er behandelt sie mit der gleichen kolonialen Überheblichkeit wie Rabe zu Beginn des Filmes. Distanziert, exotisierend. Eine naive Masse, die man erziehen muss. Selbst die etwas wichtigeren chinesischen Rollen, Sekretär Han und die Studentin Langshu, geraten zu Schablonenschnitten. Hier der stoische Diener, da die schöne Orientalin. Zwischen ihr und Doktor Rosen muss sich vorhersehbarerweise auch eine Romanze anbahnen. Die gleiche eindimensionale Darstellung erfahren die japanischen Soldaten, die schön böse aussehen.

Es gelingt dem Film einigermaßen mit Ulrich Tukur dem widersprüchlichen Charakter des durch 30 Jahre im Ausland etwas schrullig gewordenen Rabe ein Gesicht zu verleihen. Er besitzt nur eine undeutliche, eher einem Wunschdenken entsprungene Vorstellung von seinem Heimatland. Seine humanitäre Gesinnung überstrahlt letztlich den naiven Glauben an Hitler. Biographien wie die von Oskar Schindler und John Rabe zeigen, dass nicht die Naziplakette einen schlechten Menschen macht, sondern seine Taten. Trotzdem bleiben er und sein Ensemble für Regisseur Gallenberger unter dem Strich Filmlegendengestalten, die sich nur lose an der Historie entlanghangeln. Solange es sich um einen guten Film handeln würde, wäre das kein Problem. Leider bemüht sich JOHN RABE zu sehr,  großes Weltkino zu sein, und drängt sich in seiner glatten Inszenierung von Betroffenheit dem Zuschauer geradezu auf. Die Erinnerung an einen lebenden Buddha, die zeigt, dass das Massaker von Nanking auch ein Stück deutscher Geschichte ist, ist in dessen beim Goldmann-Verlag erschienen Tagebuch John Rabe vorerst besser aufgehoben.

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Offizielle Webseite zum Film

『靖国』 ・ 責任を活かす愛国心

『靖国』/ 2008年・日本・中国 / 李 櫻 監督 / 123分 / ドキュメンタリー

第二次世界大戦を思い返すとき
2045年に第二次世界大戦の終戦は100周年を迎える。つぎの大戦がその時まで人類を滅亡させていないかぎり、世界の国々はきっと記念の祭典を行うだろう。戦争を題にした映画と小説は波のように我々の意識に突入するに違いない。日本には三流の俳優たちを使ったドラマが公開され、戦争ミュージカル、戦争せんべい、戦争をめぐる政治家の長すぎる演説から逃れないおじいちゃんになった私は、見知らぬ青年に石を投げられて「貴様らが温暖化さえ止めてたらよかったのに・・・!」と追い払われる。
そのとき、日本人は第二次世界大戦をどういう風に解釈するだろうか。戦争体験者はほとんど死滅したはずだ。残りの日本人には戦争の罪が無く、南京大虐殺も人体実験も沖縄悲劇も歴史の一章と始末され、東京大空襲と原爆の地獄も遠すぎる過去の伝説として思われるだろう。歴史は偽りと繰りかえしの対象である。認めなさい——あなたは日露戦争にたいしてどんな悔い、どんな誇りを感じているか?

もちろん、規模と結果を考えると日露戦争は20世紀の運命を決めつけた破局と転換点となった世界大戦の比べものではない。大日本帝国はバビロンのように人間と資源を飲みこみ、そしてカルタゴのように沈没したあとに東アジアで民主主義と平和主義の旗をあげた初の国家として生まれ変わって21世紀まで至った。けっして正義にかがやく民主主義国とは言えないが、60年の間に隣国との和平を保ちつづけてきたことは小さくない一方、日本人はそれまでなかった自由と富を味わってきた。この国の体制がいくら不正義であっても、終戦までの日本とくらべると楽園に見える。(もしかすると2045年の日本人も懐かしながらそう思うかも知れない)

アイデンティティー喪失のトラウマ
国は変化する。2045年の日本は2008年の日本とはともかく全く別の国になはずだ。明日の私たちは今日とは違う感覚を持ち、国民的アイデンティティーを別のことに属するだろう。だが、過去をあこがれる人はどの時代にもいる。李纓監督のドキュメンタリー映画『靖国』に紹介されるや靖国神社をまつわる人物は1945年に沈没した日本を幻のように呼び覚まそうとする。タイムトラヴェラーを思いださせる彼らは必死に日本魂を唱えて軍事力と天皇崇拝で正当化された国民的自我像を復活させようとしている。彼らの発言と態度に猛烈に怒り出すべきかもしれないが、映画を観て私がもっとも感じたのは参拝者にたいしての哀れみだった。靖国神社はひょっとすると古めかしい帝国主義よりも偉大なる痛みをあらわす。それは戦死した仲間たちにたいしてではなく、イデオロギーに洗脳された戦争世代が経験したアイデンティティーの損失に由来するトラウマではないかと思う。サンタクロースの不在を知ってクリスマスの意味を救おうとする子供のようなことだろうか?思い切って言うと、観兵式も、「天皇陛下万歳」のどよめきも、「名誉」と「祖国」の絶え間ない吹き込みも、それは、一部に幕末にはじり、1945年の敗北で頂点を達した劣等コンプレックスへのマスタベーションに過ぎない。

靖国神社が今まで人のはげしい感情を起こす理由の一つ、この問題でいちばん基本となる質問は「クリスマス日本とは、日本人とは何なのか」ではないかと思う。すくなくとも、異人である私にはそういう風に見える。

チープな愛国心
現在の数多くの社会問題とグローバル化による国際的文脈の変化が生みだす危機のなか、日本は世界の舞台で自分の役柄に迷っている。まさに西洋化を意味するグローバル化は民族と伝統をつぶしつつある力と伸びて、伝統文化の損失を阻止することは21世紀の大問題である。国民が危機に覆われて方向性を失うと過激思想が強まる。ポーランド、ロシア、ブッシュ政権下のアメリカも含んでいくつかの国がふたたび愛国心と修正主義へ逃げはじめた。『男たちの大和』や『俺は、君のためにこそ死ににいく』という最近の駄作映画もその傾向にそって作られた。

だが、世の問題を解決しようとする、疑わしい価値への回顧による美しい国の回復といった貧血な標語や、「一文化、一文明、一民族の国」というゲベルスじみた発言などはある政治家の現実当方を示すだけ。そういう政治家は教育、外交、内政のスイッチレバーを動かすから君が代問題などといった問題には真剣な事実がある。昔なりの純粋な世界観にあこがれて後つぐ世代にも<懐かしい日本>という虚像をとおして修正主義を感染することは危なくて卑怯だ。思想の自由を禁止し、ナーツィ・ドイツと同盟を結び、世界支配の誇大妄想にとりこにされたあの日本を<古きよき時代>に塗り替える試みは嘘とチープな愛国心にすぎない。真の愛国心は盲目の忠誠にではなく、嘘と過ちを指摘して歴史的責任を取ることにある。
靖国神社とその博物館”遊就館”が体現するのは、自己中心的で無反省の態度である。そこへ戦死者に尊重の念を捧げに訪れる政治家はその精神を——自らの意志であるかないかにかかわらず——支える。思い違ってはならない——太平洋戦争の3千万人の死者はいつか伝説に化け、意識から歴史の本に始末される。人間はおなじ罪を何度もくりかえす。しかしだからこそ我々は今記憶と警告に努力をそそがねばならない。

記念碑の必要性
太平洋戦争のすべての犠牲者、死者と精神的肉体的害を受けた数のないアジア、オーストラリアと欧米の人たちのための記念碑を、和解と警告ののろしとして作るときがきたのではないか。宗教と国籍と関係なく、だれでも安心していけるような建築物が必要だ。和解には象徴が必要だ。それはけっして表面的なことではない。例としてドイツの首都ベルリーンにある<ホロコースト警告記念碑>を言及したい。
17年間の討論を経て、ベルリーンにユダヤ系建築家ピーター・アイゼンマンの指導によって1万9千平方メートルの大きさを占める、ヨーロッパで殺害されたユダヤ人のための記念碑が設けられた。46億円の費用はドイツ政府が負担した。ホロコーストでナーツィ政権の手で虐殺された約600万人のユダヤ人の名簿を持つ展覧会を含むこの大建築物はドイツ国会堂のすぐ近くにある。この場の意味について長い議論もあったが、オフィスビルや他国大使館や住宅に隣接する、つまり首都の中心にある石碑はとくべつな象徴性をもつ。この三年のあいだ、ホロコースト記念碑とその展示スペ−スを訪れた人数は数百万人に及んできた。

日本、中国、韓国もそれに似たようなそれぞれの<national monument>、大戦のすべての犠牲者のための記念の地を設け、ある種の<記憶の軸>をとおして<一緒の悲劇>を偲べることを私は望んでいる。各国の人々と政治家が共に嘆き、祈れる場所。強制の思い出がまだ消えていないフィリピンやインドネシアにもこうした交流にも用いられる場が作られたら、靖国神社と違って平和と再生のシンボルになるのではないだろうか。日本は独裁の暗黒から復活し、平和主義の憲法をもって世界に<二度と繰りかえされないように>と呼びかけた。それは今こそ力強い知らせと、日本人にとって属するべき21世紀に向かってのアイデンティティーを意味する。

本文は、映画サークル「動くな、シネフール、甦れ」の同人誌『Cinefool』2008年夏号に記したものです。


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